Antoine et Cléopâtre s’aiment sur les rives du Tage Tiago Rodrigues, metteur en scène portugais, livre une épure du mythe des amants maudits. Il va falloir compter avec lui : Tiago Rodrigues, le tout nouveau directeur du Teatro Nacional Dona Maria II de Lisbonne, l’équivalent portugais de la Comédie-Française. En novembre 2014, il était au Théâtre de la Bastille, à Paris, avec By Heart, un beau spectacle sur la mémoire, inspiré par sa grand-mère. En ce mois de juillet, il est à Avignon avec Antonio e Cleopatra, un autre beau spectacle, sur l’amour cette fois, inspiré par Antoine et Cléopâtre, de Shakespeare. Au printemps 2016, il retrouvera le Théâtre de la Bastille, pour une expérience unique : pendant deux mois, du 11 avril au 12 juin, Tiago Rodrigues et son équipe auront tout le bâtiment à leur disposition. Ils présenteront une version française de Bovary, une pièce de l’auteur-metteur en scène, et organiseront des ateliers, ouverts gratuitement au public, qui déboucheront sur un spectacle, Je t’ai vu pour la première fois au Théâtre de la Bastille. Cette expérience s’inscrit dans la droite ligne de ce qu’aime Tiago Rodrigues. Ce Lisboète de 38 ans, fils d’un journaliste engagé contre la dictature de Salazar et d’une mère médecin, s’est formé en fuyant le Conservatoire de Lisbonne pour aller rejoindre la troupe flamande du tgSTAN, en 1998. Il avait alors 21 ans, et il voulait se frotter à d’autres pratiques, aborder une autre manière de faire du théâtre. Il y reste cinq ans, où il joue dans plusieurs spectacles, apprend le flamand et le français, et tourne beaucoup à l’étranger. Jusqu’au moment où il se dit qu’il doit fonder « son » tgSTAN, au Portugal. Ce qu’il fait, en 2003, avec une amie, Magda Bizarro.
La compagnie, qui s’appelle Mundo Perfeito, commence par inviter des gens appartenant à des collectifs éphémères. La génération de Tiago Rodrigues arrive au théâtre avec la démocratie. Décidée à inventer, tout en sachant que le théâtre, en démocratie, peut facilement devenir plus inoffensif qu’en période de dictature. Quand il crée son premier spectacle, en 2010, Tiago Rodrigues choisit de partir d’un journal télévisé, dont les mots sont doublés par d’autres mots, dits par des comédiens. Il veut intervenir dans la vie des gens, détourner le regard attendu sur la politique.
Depuis, il n’a pas arrêté, dans tous les registres : c’est un boulimique, qui reconnaît volontiers aimer vivre et travailler entre urgence et compulsion. Le résultat est impressionnant : Tiago Rodrigues crée en moyenne quatre spectacles par saison, tout en menant de nombreuses autres activités, au Portugal et ailleurs. C’est cette énergie qui a séduit le gouvernement portugais : il cherchait un directeur qui donne un nouveau souffle au Théâtre national. Tiago Rodrigues a été nommé le 27 octobre 2014. Le jour même, il commençait à y travailler. Quelques semaines plus tard, il créait Antoine et Cléopâtre, un spectacle symptomatique de ce que ce jeune directeur apporte à l’institution, et à la scène portugaise. Au départ, Tiago voulait mettre en scène la pièce de Shakespeare. Puis il a rêvé autour du mythe des deux amants, tel qu’il a été relayé à travers les siècles, des Vies parallèles, de Plutarque à Cléopâtre, le film de Joseph Mankiewicz (1963), avec Liz Taylor et Richard Burton. Alors Tiago Rodrigues a bifurqué, et il a écrit une pièce qui est vraiment une création originale : même si des emprunts à Shakespeare apparaissent ici et là, son Antoine et Cléopâtre ne correspond en rien à ce que l’on pourrait attendre. Et c’est tant mieux. Il n’y a pas de dialogue dans la pièce. Les deux seuls personnages, Antoine et Cléopâtre, ne parlent pas à la première personne. Ils racontent leur histoire sur le mode de : « Antoine dit… », « Cléopâtre dit… » Ou pense, ou imagine, ou se rappelle. De la même façon, le présent n’est pas celui de l’action : il embrasse l’avenir et le passé, dans un va-et-vient semblable à celui des nuages et des oiseaux vers lesquels les amants lèvent les yeux, au début de la pièce. Dans les nuages, Antoine voit « son corps allongé transpercé par son épée » ; dans les oiseaux, Cléopâtre voit « le même futur trempé de sang ». Tous deux sont alors dans le bonheur d’être là, ensemble, dans la sensualité d’un regard, le goût du vin, des fruits et des corps, les respirations qui s’unissent. Ils ne se disent pas ce qu’ils pensent de leurs visions, mais l’on sait que pour Antoine le présent compte plus que l’avenir, alors que Cléopâtre croit que l’on peut changer le futur. Ainsi se met en place une pièce où tout, de l’amour à la guerre, du Nil au bord du Tibre, de la vie à la mort, sera relaté dans un style simple, répétitif, et hypnotique, comme le jeu des interprètes, Sofia Dias et Vítor Roriz. Ces deux danseurs, qui savent chorégraphier les mots et les gestes, abolissent la frontière du masculin et du féminin. Ils sont dans « l’un » de l’amour éternel, deux amants dont les « Antoine respire. Cléopâtre respire » nous poursuivent, une fois qu’on les a quittés, comme nous poursuivent les « a-a-a-a » de O Superman, la chanson de Laurie Anderson, qui annoncent une des plus belles scènes de Richard III, mis en scène par Thomas Ostermeier. Ils nous poursuivront longtemps, et resteront dans nos mémoires, petits cailloux blancs sur le chemin du souvenir de l’édition 2015 du Festival. Brigitte Salino, Le Monde, juillet 2015.

Cet Antoine et Cléopâtre n’est pas la pièce de William Shakespeare. C’est une pièce originale que nous avons créée en mémoire à la tragédie de Shakespeare, qui elle même tirait ses fondements du portrait que Plutarque avait fait de Marc Antoine dans Vies Parallèles, lui même héritier de divers écrits et récits de tradition orale (Plutarque va jusqu’à citer son propre arrière-grand-père dans le chapitre sur Marc Antoine). Nous assumons ces héritages et bien d’autres encore, moins anciens mais tout aussi monumentaux, tel que le film marathon réalisé en 1963 par Mankiewicz avec le couple Taylor/Burton, dont nous avons utilisé quelques fragments musicaux, ainsi que tout l’attirail généré par l’aura de fascination que la romance d’Antoine et Cléopâtre suscite encore chez les historiens, les auteurs de fiction et le public.

A la frontière ambiguë entre le plagiat et la citation, qui aurait tellement plu à Shakespeare (nous utilisons plusieurs vers de la tragédie, empruntée à la traduction de Jean Michel Déprats dans la version française, publiée aux éditions Gallimard), nous acceptons à notre tour que ce phénomène de transmission d’un épisode historique et littéraire soit frappé par l’érosion. L’érosion du temps et du langage qui condamne la mémoire à l’incomplétude et, pour cela même, ouvre la porte à notre contribution personnelle. Si nous savions tout, nous n’en saurions que trop, et il n’y aurait pas d’urgence à faire ce spectacle.

Shakespeare a écrit, probablement en 1606, un Antoine et Cléopâtre qui a eu des difficultés à parvenir, au fil du temps, au podium de ses tragédies occupé par Hamlet, Othello, Le Roi Lear ou Macbeth. La réputation imparfaite et transgressive de cette pièce est due à la multiplicité et à la dispersion des unités de temps et d’action, désobéissant clairement aux paramètres « aristotéliciens », combiné à ce que John Drakakis nomme une « déconstruction avant la lettre » générée par un langage qui semble tirer son origine d’un « fil de conscience ». Lors des lectures que nous avons faites de Shakespeare, dès les premières répétitions de ce projet, c’est précisément cet esprit transgressif de la structure de la pièce qui nous a poussé vers un espace de liberté (et presque d’irresponsabilité) nécessaire pour oser créer notre propre Antoine et Cléopâtre.

La tragédie de Shakespeare est un inventaire de dichotomies : Orient et Occident, raison et sentiment, masculin et féminin, sexe et politique, guerre et amour, travail et oisiveté, tragédie et comédie. En confrontation, en parallèle, en complémentarité ou en symbiose, chaque ingrédient de cette pièce trouve toujours sa paire ou son revers. A l’instar du duo qui donne son nom à la pièce.

Fascinés par cette idée de duo, nous avons réduit la distribution pharaonique de Shakespeare à deux interprètes : Sofia Dias et Vítor Roriz, qui sont bien plus Sofia et Vítor que la représentation d’une Cléopâtre et d’un Antoine, ou plutôt d’un Antoine et d’une Cléopâtre. Dans ce spectacle Sofia parle obsessionnellement d’un Antoine et Vítor parle avec la même minutie de Cléopâtre. Sofia décrit tous les faits et gestes d’un Antoine vivant dans une mise en scène imaginaire. Et vice versa. « Toujours, vice versa », comme nous le disons dans le synopsis du spectacle. D’ailleurs, vice versa aurait pu être le titre de ce spectacle.

Ainsi, nous avons cherché à inventer un duo qui parle d’un autre duo, racontant et évoquant sans cesse d’invisibles Antoine et Cléopâtre, au point de plonger par instant à l’intérieur de ces noms, leurs donnant une forme visible. Nous alimentons la confusion d’identité entre Antoine et Cléopâtre, mais aussi entre interprètes et personnages. La confusion est toujours double. Cette idée, c’est Plutarque lui-même qui la propose quand il écrit d’un ton ironique et compatissant, au moment où Antoine fuit la bataille pour suivre Cléopâtre à la trace, que « l’âme d’un amant vit dans un corps étranger ». Cette tirade de Plutarque qui raconte comment Antoine se détache de sa propre identité en détruisant sa réputation et son honneur pour voir le monde à travers les yeux de Cléopâtre, tient autant de la thèse amoureuse que du paradoxe théâtral. C’est cette âme dans un corps étranger que nous expérimentons par le duo de Sofia et Vítor, qui essayent de voir le monde au travers des yeux d’Antoine et de Cléopâtre, mais aussi à travers leurs propres yeux. C’est de cette âme dans un corps étranger que nous parlons quand nous créons une pièce de théâtre pour un duo de chorégraphes. A l’instar de la confusion des duos qui changent de corps, nous avons voulu créer un spectacle où l’écriture théâtrale et la mise en scène appréhendent le monde par le biais d’un corps étranger : celui du langage, mathématique et ludique, rigoureusement poétique de l’univers chorégraphique de Sofia Dias et Vítor Roriz. Cet Antoine et Cléopâtre a été écrit en imaginant le théâtre à travers leurs yeux. Tout comme leurs interprétations scéniques doivent utiliser un corps de texte et de théâtre qui leur est à la fois étranger et familier. Car il est important de dire qu’« étranger » ne signifie pas « éloigné ». Bien au contraire. Cette collaboration est née de la reconnaissance de l’affinité artistique à ce corps étranger. Bien qu’il soit étranger, nous pourrions l’imaginer nôtre. Et, tout en changeant de corps, nous ne perdons pas irrémédiablement le nôtre. Nous le prêtons, temporairement, afin que ces corps prêtés se changent en une collaboration ou, littéralement, en un travail commun.

L’espace scénique d’Ângela Rocha et la création lumière de Nuno Meira, réunis autour du thème de l’instabilité et d’un mouvement perpétuel, donnent forme à un champ de jeux sans règles apparentes où a lieu cette collaboration artistique inspirée par l’idée d’une collaboration amoureuse. Nous collaborons aussi avec l’histoire, avec Plutarque, avec Shakespeare. Et, finalement, nous collaborons avec le public, cet indispensable et ultime collaborateur. Ce corps étranger où nous voulons voir vivre notre âme d’amant. Tiago Rodrigues, novembre 2014.