Lazarus Oona met en scène quelque chose d’unique avec cette pièce. Il s’agit d’une représentation concernant un problème de société, un problème politique, sans traiter grossièrement ni explicitement de ce problème à proprement parler. Elle adopte un langage corporel, une culture, qui fait partie de sa marque de fabrique en tant que native de Belfast, qu’elle représente entrecoupé de quelque chose qui ressemble à la divinité. Il s’agit du langage des rues hostiles, de la peur et de l’agression, un voile fin de vulnérabilité qui dissimule une posture provocante. Réglé sur une partition de voix masculines en colère, de clameur du docudrame Wee Bastards ? associées aux accords gentiment épiques de la violence, de l’hédonisme, de la joie et du désespoir des chaînes Lazarus and the Birds of Paradise, Miserere Mei, Deus d’Allegri, pour transformer le côté piétiné, méprisé et honni en quelque chose qui procure une certaine béatitude.
Rachel Donnoly, Dublin Dance Festival 2016 Review : tottally Dublin.ie

Lazarus - Une révélation venue d’Irlande
Ce fut comme une apparition : Oona Doherty face public en jogging, t-shirt blanc et chaîne en or. Malgré son profil de danseuse des rues, sa dégaine hip hop, on ne peut la réduire à un cliché et en huit minutes, elle fait s’envoler bien des certitudes. La chorégraphe irlandaise mêle les influences pour mieux questionner ce qui fait nos identités à commencer par la bande son superpose musique religieuse, dont le Miserere d’Allegri aux paroles d’un documentaire sur les quartiers chauds de Belfast. Dans un moment de voguing, la danseuse reprend non pas les mouvements de mannequins vus dans des magazines mais ceux de la Vierge, des Saints et des martyrs. Ces moments comme offrande poétique, spirituelle et politique nous permettent de voir plus loin, au-delà de nos peurs et stéréotype et de transfigurer la violence.
theatrorama.com

A Kind of Fierce
Bleu, jaune, rouge. Bleu polaire des néons, jaune poussin du sweat, rouge des lèvres. Bleu électrique du t-shirt, jaune des stries sur les joues, rouge de la férocité. Couleurs primaires. Chorégraphie exemplaire. Exemplaire de ce que la danse peut en contournant les exemples. Sur la scène du théâtre, la chorégraphe et danseuse franco-grecque Katerina Andreou présentait A Kind of Fierce, solo d’une quarantaine de minutes dont l’énergie contenue lui a permis de co-remporter (avec Will Rawls pour The Planet-Eaters : Second) le prix jardin d’Europe, qui récompense l’un des jeunes chorégraphes de la partie [8:tension] de ImPulsTanz – Vienna International Dance Festival. Une sorte de tension exprimée par une danse en impulsions sur la grande scène de l’Odeon, ce 8 août 2016.
Une scène sur laquelle deux rangées de néons, parallèles entre elles, parallèles au public, encadrent un micro suspendu le long d’un fil de plusieurs mètres. Deux baffles sont derrières. Distantes, évidentes. Katerina Andreou sur scène, ballerines recouvertes de collants noirs, s’échauffe dans un sweat d’un jaune éclatant. Ses lèvres, minces filets rouges, sont serrées, aspirées par l’effort. Un effort qui se fait au rythme de sa respiration. La musique est pour plus tard. Pour le public en tout cas, puisqu’elle l’écoute par de discrètes oreillettes. Un échauffement qui n’est pas celui qui précède la représentation mais qui est inclus dans cette représentation que Katerina Andreou a construit à partir des danses libres des années 1900, de l’attitude punk rock des années 1970, des soli des drag queens sur youtube, de la danse krump. Une représentation qui se fonde sur un corps toujours en action, un corps en alerte, entre habilité technique et sabotage des gestes, qui vont toujours d’un à d’autres. A Kind of Fierce est une réaction à l’apprentissage, une manière de désapprendre, d’apprendre à désapprendre. La danse libre retient, malgré tout, les danses apprises mais en engendre d’autres par une naïveté sous contrôle. Il y a un acharnement à sortir en public des gestes qui ne relèveraient pas d’une autorité extérieure. Partir des couleurs primaires et les mélanger par tâtonnements. Danser cela dans un théâtre, c’est danser cela avec un public. A Kind of Fierce bouscule les liens aux spectateurs avec cette danse personnelle en public et cette danse partagée en privé. Katerina Andreou alterne entre présence et absence pour affirmer une indépendance, sa danse libre. Une danse libre électrique comme son t-shirt bleu. Électrique comme les stries jaunes qu’elle a sur les joues, comme pour revendiquer le début des hostilités, avec son background de danseuse, avec ce public à convaincre, avec les terra incognita de la danse à fouler. Une électricité qui devient férocité lorsque la musique – supervisée par le compositeur Eric Yvelin – est crachée, le Breakdance de Chevreuil, ou suinte, remix de Because des Beatles, des enceintes que Katerina Andreou va rapprocher, jusqu’à les coller, l’une à l’autre et au public, avec derrière elle, ce micro qui pend, comme un punching ball. Un punching ball dans laquelle elle passe ses cheveux, tape son front. Le bruit se réverbère. La férocité de sa danse, des rythmes qu’elle syncope du début à la fin, soutenue par une musique de bruits et de fureurs ont fait exploser la scène de l’Odéon avant une première française qui se tiendra au CDC Atelier de Paris le 4 novembre 2016.
Guillaume Rouleau, Culture.com

A Kind of Fierce
Katerina Andreou entre sur le plateau d’un pas décidé. Deux traits jaune poussin parfaitement assortis à son sweat, lui barrent les joues. Gainée dans une paire de collants noirs elle est parée, aux aguets et s’engage sur le sentier du mouvement tous azimuts. Dans une scénographie efficace et minimale, deux rangées de néons blancs qui circonscrivent un carré d’action, un micro suspendu et deux enceintes qui nous font face, elle prend l’espace, le quadrille, visite son territoire. La danseuse déploie un vocabulaire gestuel impressionnant, nourri de motifs répétés, de gestes saccadés, sitôt lancés sitôt interrompus. Sauts, battements, tours crépitent dans le noir du plateau comme des éclats, des petites choses précises, accumulées. On y lit des bribes de danse, apprises et digérées, des figures classiques qui côtoient un répertoire drôle tout en cavalcades et marches en crabe. Le registre rythmique rapide, en tension, rappelle le récent solo de Marco D’Agostin Everything is Ok qui semble répondre à une même envie : faire, faire, faire, se lancer dans un déroulé frénétique de mouvements pour contrer quelque chose ou proposer un autre ordre du monde. On oublie presque de préciser qu’au creux de son oreille, des écouteurs diffusent des rythmes disruptifs et contradictoires tout au long de la pièce. Avec A Kind of Fierce rien n’est jamais certain. La proposition désarçonne parce qu’elle s’écrit dans un renouvellement constant, au rythme des gesticulations mi-maîtrisées mi-intempestives de sa protagoniste principale. La danse est un matériau brûlant modelé sur l’instant par l’interprète-chorégraphe qui façonne et défait, ne se fige dans rien. À un moment, elle saisit deux baguettes de batteur et esquisse des images de figures autoritaires, maîtresse de ballet ou dresseuse de chevaux, qu’elle érige pour mieux biaiser. On pense d’ailleurs souvent, au gré de la pièce, à cette discipline équestre qui vise à contenir la fougue de l’animal pour lui inculquer des figures savantes. Plusieurs fois Katerina Andreou envoie une figure avant de se cabrer pour partir ailleurs, sortir de tout enfermement. À un autre endroit, elle détache ses cheveux et ouvre, sous des airs de PJ Harvey, une autre ligne de fuite évoquant le punk rock et le rituel du concert. C’est une des clés du jeu qu’elle s’impose : ébaucher des carcans pour mieux ruer dedans.
Chez Katerina Andreou, être libre ne passe pas par le lâcher-prise, mais par une capacité à s’auto-surprendre en permanence. En guise de fin, elle se plante debout sur les enceintes ramenées en bord de scène qui diffusent du rock à plein tube et son visage s’éclaire enfin, ouvert. Alors on comprend à rebours le trajet complexe qu’elle vient d’effectuer vers une forme de libération, grâce aux différentes façons d’être « fierce » qu’elle vient de déplier. Fierce, ce mot puisé dans le vocabulaire du voguing s’emploie à propos de quelqu’un qui en impose par sa présence forte et pleine. Katerina Andreou, elle, se taille avec ce solo une course d’obstacles, une promenade intranquille sur le dance-floor où elle n’a besoin de rien imposer pour s’affirmer.
Marie Pons, Mouvement, novembre 2016.

Lazarus and the Birds of Paradise , présentation
Au son, une balade et une musique vocale qui évoque le sacré. Au centre un encensoir qui déverse sa fumée dans un cercle éclairé dans le noir. Apparaît Oona Doherty, chorégraphe et interprète, habillée de blanc, une chaîne dorée autour du cou, tandis que des voix retentissent, se superposant au Miserere Mei, Deus d’Allegri. La bande-son fera coexister tout au long de ce solo la partition de musique sacrée et des cris, des bruits, des paroles extraites de Wee bastard ?, docudrama évoquant la délinquance dans les quartiers chauds de Belfast tandis qu’Oona Doherty puise sa gestuelle dans le hip-hop et le voguing, rappelant les postures provocantes que prennent les jeunes hommes dans les rues d’Irlande du Nord – d’où elle vient. En mettant côte à côte ces trois éléments (musique sacrée, sons et gestuelle issus de la rue) très codés et aisément reconnaissables, elle instaure un dialogue singulier, chaque composante teintant l’autre de sa présence affirmée. Dans ce premier volet d’une quadrilogie consacrée à sa ville natale (Hard to be soft – A Belfast Prayer in four parts), Oona Doherty déconstruit ainsi le stéréotype du « jeune des cités », et transforme le langage de la peur et de l’agression. Elle incite à regarder différemment les figures qu’elle convoque dans une autre lumière : la dureté sonore et dansée de la rue jointe au Miserere prend une autre dimension poétique, spirituelle et politique. Lazare et les oiseaux du paradis convie à une forme de résurrection, celle qui passe par le regard, le mouvement et la possibilité de l’invention de soi.
Texte de présentation des Rencontres chorégraphiques de Seine St-Denis.

Blanc : présentation
Blanc (2014) est un solo de Vania Vaneau accompagnée du guitariste Simon Dijoud. La création a eu comme point de départ une recherche sur le rituel, la transe et la transformation. La pièce réunit le langage physique, chorégraphique et une forte composante plastique à travers la fabrication et l’utilisation de divers costumes et masques. La potentialité du mouvement se conjugue avec une dimension visuelle dans un travail sur la couleur et en contraste avec le noir et blanc, évoquant une sorte de carnaval ou de cérémonie où sont invités des figures se situant entre l’humain, l’animal et la nature, appartenant à des lieux et à des temporalités indéterminées. L’accompagnement musical fait du tout une oeuvre entre la performance, le concert et la pièce de danse. Blanc naît du désir d’accéder à un lieu de vertige, explorant les différentes facettes de l’individu, révélant la foule, le multiple qui habite le singulier, de même que la lumière blanche se compose de toutes les couleurs. En revenant à certains aspects de la culture brésilienne de laquelle je viens, trois éléments ont nourri ma recherche : les rituels de transe chamaniques et afro-brésiliens, le travail de l’artiste tropicaliste Hélio Oiticica et le mouvement artistico-intellectuel des années 1920 dit ‘anthropophagique’ qui proposait la ‘digestion’ des cultures dominantes (américaine et européenne) et la ‘régurgitation’ d’une troisième forme après le mélange avec la culture populaire brésilienne. Il m’a semblé intéressant de voir comment ces éléments pouvaient être approchés par mon regard blanc, européanisé et urbain, dans le contexte de la scène contemporaine et comment ils seraient transformés dans ce processus. En considérant les différentes strates physiques et subjectives du corps, l’interprète est placée en tant que vecteur de son environnement. Comme un filtre, elle est traversée par des flux d’histoires, de cultures, d’états et d’émotions. En quête d’une extrême porosité du corps et en rapport empathique avec le public, Vania Vaneau propose un voyage qui va de la matérialité organique à l’hallucination visuelle, du réel au fictif, du rationnel a l’irrationnel. Le lieu du rituel et la figure du chaman dialoguent avec l’espace du théâtre et le rôle de l’acteur en tant que médium des forces visibles et invisibles qui le traversent. Le corps est d’un coté « matériel et périssable », et d’un autre coté « utopique, multiple et infini ». Les métamorphoses se font physiquement et visuellement de l’intérieur vers l’extérieur et de l’extérieur vers l’intérieur, à travers une danse de vibrations et de respirations extrêmes et par la superposition des costumes qui comme des multiples peaux, parures ou vêtements de cérémonie, donnent au corps des sens et des caractères divers. Les travestissements font du corps ce dont M. Foucault nomme « un fragment d’espace imaginaire qui va communiquer avec l’univers des divinités ou avec l’univers d’autrui » (M.Foucault, Le corps Utopique, 1966). Telles des sculptures vivantes ou encore, les Parangolés de l’artiste Tropicaliste brésilien Hélio Oiticica, différentes figures sont révélées, cherchant à délier l’imaginaire et déployer dans l’espace un paysage toujours en transformation. Notre société blanche, occidentale, étant dominée par la rationalité et les désirs individuels de possessions matérielles dans une ambiance de compétition sociale, on serait aujourd’hui pour cette même raison, attirés par une recherche spirituelle avec tout ce qu’elle comporte de fiction et d’illusion d’un état d’être authentique. La pièce propose ainsi un dialogue entre la culture occidentale contemporaine et les cultures traditionnelles tribales ou « l’univers du sauvage », dans un double anthropophagisme où l’on ne sait plus quelle culture mange l’autre. La musique noise expérimentale jouée en live par Simon Dijoud du groupe Debora Kant, accompagne, ponctue et offre des dissonances et des paysages polysémiques. D’autres sources sonores font également partie de la bande son comme la superposition de musiques de lieux et époques diverses créant une sorte d’archéologie sonore.