The Dancing Public
La curiosité de la chorégraphe Mette Ingvartsen pour les manies dansantes du Moyen-âge est apparue avant la pandémie. Inspiré de ces phénomènes collectifs inexpliqués, son dernier solo The Dancing Public fait pourtant écho avec les bouleversements actuels de nos rapports aux corps et aux autres. Un instant de confusion saisit le public qui entre dans la salle du Kaaitheater à Bruxelles pour assister à la nouvelle création de Mette Ingvartsen : aucune chaise à disposition, trois plateformes en bois encadrées de néons blancs sur trois côtés de la pièce, une colonne lumineuse au centre et la musique techno déjà lancée. Difficile de savoir où s’installer : on reste debout immobile quelques instants, on circule un peu, des spectateurs discutent, certains se trémoussent en rythme. L’impression d’entrer dans un bar ou une boite de nuit résonne pleinement avec la pièce qui s’apprête à commencer. Car, après avoir exploré ces dernières années les rapports entre humains et non-humains, les enjeux posés par les nouvelles technologies ou encore la nudité et la sexualité, la chorégraphe danoise se penche aujourd’hui sur la danse elle-même, en s’intéressant aux « folies dansantes » du Moyen-Âge. Par la parole, le chant, la danse, le théâtre, le rire, les cris, le son et la lumière, et en s’appuyant sur une documentation fouillée, elle nous raconte avec The Dancing Public ces faits observés en Europe entre les 14ème et 18ème siècles.
Pour retracer ces évènements à l’origine de nombreux fantasmes, la performeuse parcourt l’espace, circule dans le public, monte sur une estrade puis sur une autre. Elle passe à quelques centimètres des spectateurs, nous touche parfois et croise nos regards. Ses déplacements nous obligent à la suivre, à bouger avec elle, à changer de place, comme pour souligner un peu plus le rôle organique du mouvement dans nos sociétés, tant au niveau individuel que collectif. Mette Ingvartsen ira aussi jusqu’à expérimenter les « états-limites » propres aux phénomènes qu’elle étudie. Par la répétition de mots et de gestes, tel ce balancement violent de la tête, par l’exagération des postures et une frénésie continue, elle transmet l’extase, la jouissance mais aussi la douleur provoquées par ces danses irrépressibles, à la fois symptômes et remèdes populaires en temps de crise. Mais alors qu’on traverse de nouvelles crises, sanitaire, sociale, politique, écologique, le corps peut-il encore être un lieu de libération des pulsions et de transgression ? La danse, un moment de perte de contrôle et de suspension des règles ? C’est la question que pose Mette Ingvartsen avec une chanson adressée au public avec conviction : « Ce soir, on va danser. Mes pieds vont danser. Vos pieds vont danser. Nos coeurs vont danser… » entonne-t-elle. L’invitation à rejoindre la fête est lancée et si certains spectateurs se prêtent au jeu, la timidité de la plupart révèle qu’il n’est pas si simple de lâcher prise et de déconstruire les codes de la salle de spectacle.
Dounia Dolbec, Mouvement.net, 21/10/2021

« Dancing public » : la folie dansante de Mette Ingvartsen
Seule au milieu du public, la danseuse et chorégraphe remonte le temps et explore divers épisodes où la danse a envahi l’espace public... pour mieux nous faire danser. Surprise à la Biennale de Charleroi Danse en pénétrant dans la grande salle des Ecuries : ni gradins ni scène mais un vestiaire où les spectateurs sont invités à déposer vestes, sacs et autres éléments encombrants. On peut ensuite passer de l’autre côté des hauts rideaux de scène pour déboucher dans un espace plutôt sombre, façon boîte de nuit. Un DJ se charge d’ailleurs d’envoyer une musique de circonstances aux rythmes de basse irrésistibles. D’un coup, Mette Ingvartsen apparaît au beau milieu du public disséminé un peu partout dans l’espace. En short, t-shirt et bottines noires, elle affiche un large sourire et passe de l’un à l’autre en dansant et en répétant comme un mantra le programme de la soirée : « Ce soir, je vais danser ! Ce soir mes pieds vont danser ! Ce soir, mon sang va danser ! Ce soir, nous allons danser ! » Certains s’écartent un peu à son approche, d’autres relèvent son défi et se lancent à leur tour. La plupart se contentent de battre la mesure et de se trémousser un peu au rythme de la musique. Très vite, la maîtresse de cérémonie pousse le bouchon un peu plus loin. Tout en regagnant un des trois podiums, façon Go Go Girls, répartis dans l’espace, elle se lance dans un récit qui ira de la grande peste de 1374 aux marathons dansés du début des années 30 en passant par la danse de Saint-Guy, les recherches de Charcot et bien d’autres épisodes où la danse, en envahissant les rues, apparaissait tantôt comme une délivrance générale face aux maux de l’époque, tantôt comme une malédiction où le diable se serait emparé du corps des femmes (on rêve de revoir cette performance dans le cadre de la remarquable exposition Witches consacrée aux sorcières au Vanderborght à Bruxelles). Sans jamais cesser de danser, sur des rythmes variant selon les époques et les étapes du récit, elle livre une sorte de spoken word virant parfois vers le rap et parfois vers le chant, relatant ces éruptions de danse incontrôlées qui marquèrent les siècles passés. Personne ne peut résister à l’enthousiasme et à l’énergie de Mette Ingvartsen dont la performance se révèle aussi pertinente qu’irrésistible, mêlant aspects politiques, scientifiques, historiques avec une remarquable aisance. Pas une seconde d’ennui dans cette sarabande où elle escalade les podiums, replonge dans le public, semble soudain possédée par un quelconque démon puis redémarre avec un grand sourire invitant à la rejoindre... Rien d’effrayant ni de « malaisant » dans ce solo puissant et libérateur, imaginé bien avant le covid mais prenant, dans sa dimension libératrice, une nouvelle ampleur. On est, d’un bout à l’autre, fascinés par son abattage et son récit, inscrits dans une scénographie simple et parfaite imaginée avec Minna Tiikkainen et les arrangements musicaux irrésistibles conçus avec Anne Van de Star. Et lorsqu’après l’ovation finale, la musique reprend de plus belle, la salle entière se transforme instantanément en boîte de nuit, plus un seul spectateur ne résistant au plaisir de la danse.
Jean-Marie Wynants, Le Soir, 28/10/2021

Bojana Cvejić : À quand remonte l’idée de The Dancing Public ? Qu’est-ce qui vous a incité à explorer le phénomène de la chorémanie et des marathons de danse ?
Mette Ingvartsen : L’idée est venue avec le titre – The Dancing Public – il y a environ cinq ans, lorsque j’ai senti qu’il était temps pour moi de faire une pièce qui impliquerait le fait de danser avec le public. Cela m’a amenée aux marathons de danse des années 30 aux États-Unis, mais plus je lisais à ce sujet, plus je me rendais compte qu’ils ne pouvaient pas constituer l’essentiel de mon centre d’intérêt. Dans les années 30, pendant la Grande Dépression, les gens pauvres étaient prêts à risquer leur vie en participant à une compétition en vue d’une récompense pécuniaire. Mon souhait était de rassembler des gens à travers la danse dans un espace physique – soit un phénomène social où la danse devient un outil qui permet une expérience de collectivité. Il s’agit autant de joie et d’extase que de douleur et d’épuisement. L’idée initiale est longtemps restée « au frigo » parce que je n’étais pas convaincue par le marathon de danse. Puis je suis tombée sur la chorémanie, un phénomène observé à la fin du Moyen-Âge qu’on appelle également la manie dansante ou l’épidémie de danse. Et la chorémanie m’a attirée du fait qu’elle combine plusieurs éléments que je voulais explorer : danser dans l’espace public, la danse en tant que rassemblement social, et l’excès de mouvements de danse qui deviennent ininterrompus et incontrôlables, et se propagent comme une contagion. Quand les gens dansent pour le plaisir, de manière générale ou dans les fêtes, les mouvements traversent les corps, mais dans les chorémanies, la danse était associée à une force mystérieuse, à quelque chose d’énigmatique, d’insondable qui propulse le mouvement au-delà du contrôle. Et c’est sur cette question que je voulais me pencher. C’est ainsi que la création a commencé…

Ce solo peut être abordé sous deux angles simultanés : l’un étant l’invitation qui devient une situation de danse, c’est-à-dire qu’à partir de la narration, vous nous incitez à danser tout au long de la soirée. L’autre perspective concerne la construction du corps qui se secoue et se convulse, entraîné dans un état que l’on qualifierait normalement d’irrationnel, entre joie et épuisement, excès et folie : une « folie » de la danse ! Quel intérêt portez-vous au corps ?
J’ai réimaginé ces gestes à partir de descriptions de manies dansantes, en particulier les récits du Dr Hecker qui a élaboré un compte rendu détaillé de mouvements vifs et saccadés. J’ai également trouvé d’autres récits de chorémanies dans lesquelles des religieuses aboyaient ou miaulaient, entrant dans des états momentanés de folie contagieuse. Ce qui m’intéresse, c’est ce qui arrive au corps dans les moments de crise et l’excès corporel qui en résulte si facilement. Qui plus est, la pièce pose également la question de savoir pourquoi les gens font la fête. Cela répond aussi à un besoin d’excès. Je me souviens qu’au sortir de l’adolescence, j’avais moi aussi un grand besoin de dépenser mon énergie et que cela allait de pair avec le désir d’être dans une situation où les règles seraient temporairement suspendues. Il existe une longue tradition de festivités – depuis les Grecs et les romains jusqu’aux carnavals par la suite –, des événements destinés à faire l’expérience d’une sorte de libération des contraintes morales et des règlements. En revanche, les manies dansantes ne sont pas des moments d’excès organisés, mais surviennent comme des éruptions lorsque le corps ne peut plus réfréner les mouvements. Et c’est fondamental pour moi, car cela indique une réponse à une condition sociale ou politique. Je ne sais pas si je le qualifierais de répression ou de sentiment d’en avoir assez. Et qu’est-ce qui pourrait déclencher une telle libération ? Par exemple, pendant le confinement, j’ai ressenti quelque chose de similaire dans mon propre corps, quelque chose comme : « Je ne supporte plus ce confinement, cet état de réclusion, d’isolement. Il faut que je bouge, que je sois en compagnie d’autres personnes. » Je peux aussi éprouver de l’empathie pour la situation du corps des femmes dans le passé, la répression de leur sexualité et de leur droit à s’exprimer et à agir aux côtés des hommes. Il n’est pas difficile d’imaginer pourquoi et comment un besoin de mouvement excessif a émergé. Lors des manies dansantes, ce ne sont pas seulement les femmes qui se convulsaient, mais aussi les enfants et les hommes. Toutefois, la tarentelle, une forme italienne de manie dansante, était souvent dansée par des femmes, étayée par une histoire de morsures de tarentules – des araignées venimeuses – que la danse pouvait soigner. Ce qui est intéressant ici, c’est que la danse est à la fois le symptôme d’une maladie et son remède. Cela nous dit quelque chose de la capacité régénératrice du corps à surmonter différentes formes d’oppression et d’entrave à la liberté. Parfois, cela se produit sous forme de sublimation – comme dans les carnavals et les fêtes –, d’autres fois, cela se manifeste par ce qui ressemble à de la folie ou par ce qui comporte un élément incontrôlable.