Le Monde, Rosita Boisseau, 18/07/24

Close Up, titre de la nouvelle pièce pour six interprètes du chorégraphe Noé Soulier, directeur du Centre national de danse contemporaine d’Angers depuis 2020, invité pour la première fois au Festival d’Avignon, touche à différents domaines. Si le verbe anglais signifie « fermer, se refermer », le terme « close up » évoque, dans l’art de la magie, un magicien qui exécute des tours de cartes à une très courte distance des gens pour mieux les bluffer. En photo et en cinéma, il fait référence à un type de cadrage serré, qui parie sur le zoom pour mieux donner l’illusion de pénétrer dans la matière.

Avec cet indice gros comme une maison, une opération de resserrage du propos finit effectivement par arriver au milieu du spectacle créé le 15 juillet, devant un public enthousiaste, à l’Opéra Grand Avignon. Changement de focale, une longue séquence se déploie en fond de scène devant une caméra posée sur pied qui ne bougera pas de son socle. Les interprètes se glissent dans un espace circonscrit par un panneau blanc, comme pour une prise de vues dans un studio de photo. Ils y passent et repassent, livrant des images fragmentées de leurs évolutions projetées sur un grand écran. Ils choisissent d’y inscrire telle ou telle partie de leur corps en mouvement.

Cette écriture cinématographique en direct de la danse, qui flirte parfois avec l’imagerie mode, pas loin de la pub pour des jeans, permet néanmoins d’avoir la sensation de presque toucher le muscle lié au geste, tout en ayant la possibilité de considérer l’ensemble de l’interprète lancé dans son enchainement de pas.

Macro-micro, avant-arrière, ce jeu de plans est l’un des attraits ludiques de Close Up, où la gestuelle segmentée et physique, quasi athlétique, devenue la signature de Noé Soulier, éclate. Depuis les pièces Removing (2015) ou Les Vagues (2018), sou influence notamment de la danse classique, qu’il a pratiquée et décortiquée, ainsi que du sport qui offre selon lui « un répertoire de gestes d’une richesse extraordinaire », il a mis au point une partition à partir de verbes d’action. Il creuse ici de nouveau autour de « frapper », « éviter », « lancer ».. Tout en détentes sans cesse bloquées, la danse se déplie en lignes brisées : un interprète shoot dans un ballon (invisible), bifurque dans un lancer de javelot (inexistant), puis s’étire dans un immense plié au ras du sol.

Note d’intention

Dans cette nouvelle création, j’aimerais explorer l’improvisation en temps réel. En effet, la reconstruction permet de sélectionner les moments les plus intéressants, mais elle ne peut pas recréer l’urgence et l’imprévisibilité des transitions présente dans l’improvisation d’origine. Le vocabulaire chorégraphique que je tente de développer n’est pas purement abstrait. Il s’appuie sur des actions pratiques détournées de leur but d’origine comme attraper, éviter, frapper ou lancer. La reconnaissance de ces actions est rendue impossible par de nombreuses distorsions : absence des objets visés, parties du corps inadaptées, combinaisons de direction inorganiques… Ces actions détournées portent une charge affective et émotionnelle que n’ont pas des mouvements purement formels, mais elles ne forment pas une chorégraphie narrative. Elles créent une forme d’expressivité non narrative. C’est précisément cette strate d’expressivité, qui se situe entre le mouvement formel et la fiction narrative, que je souhaite explorer. Celle-ci rejoint la collaboration musicale au cœur de la pièce.

Les pièces contrapuntiques de Johann Sebastian Bach appartenant à l’Art de la fugue et à l’Offrande musicale ainsi que des mouvements de sonates marqués par leur inventivité mélodique et harmonique. Les pièces contrapuntiques de Bach ne sont pas construites sur un modèle de développement narratif comme peuvent l’être de nombreuses sonates, concertos ou symphonies du répertoire classique et romantique. Mais, si elles se concentrent sur une construction polyphonique extrêmement abstraite, les matériaux thématiques qu’elles utilisent sont extrêmement expressifs. Je souhaite explorer la même tension entre matériaux chargés affectivement et construction polyphonique. Elle me semble permettre de saisir une dimension cruciale de notre expérience intime. Celle-ci ne connait jamais la simplicité et la linéarité d’un schéma narratif. Au contraire, nos expériences les plus intenses comme les plus infimes sont complexes et polyphoniques. C’est cette dimension non linéaire de notre expérience affective que je souhaite sonder.

Cette nouvelle création prolonge également sur scène la recherche menée dans le film de danse Fragments avec l’utilisation de la vidéo en temps réel. Dans Fragments, j’ai positionné un cadre physique entre la caméra et les danseur·euses pour renverser le rapport entre la chorégraphie et sa captation. Ce cadre, qui ne capturait que le centre du corps des danseur·euses, correspondait exactement à l’espace enregistré par la caméra et nous a permis de véritablement chorégraphier pour l’espace spécifique de la caméra au lieu de trouver des manières de filmer des phrases de mouvement préexistantes. Nous avons ainsi pu créer un microcosme chorégraphique où chaque détail — torsion du buste, inclinaison de la tête, position des doigts — prend une importance considérable.

Noé Soulier